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Durant les années 1800, les artistes voyagèrent à travers les Amériques, en transformant leurs points de vue de la terre dans l’iconographie du paysage romantique tout en projetant les espoirs et les valeurs des colons européens sur des territoires nouvellement occupés. Ils ont réponduaux topographies distinctives de l’hémisphère, créant des images qui viendraient pour représenter les différentes régions.

Ces travaux sont devenus emblématique comme ils circulaient à travers les Amériques, la Grande-Bretagne et l’Europe sur les tours populaires et sous forme de reproductions. Le sentiment d’émerveillement et d’ouverture qui ils ont capturé encourage la colonisation et de l’investissement dans les Amériques. Mais ces images ne sont pas neutres; elles reflètent les idées politiques et culturelles de l’époque et ont contribué à façonner les identités nationales.

La peinture de paysage dans les Amériques a commencé par l’observation directe et la réalisation d’esquisses sur le terrain. Poussés par un désir de représenter des sites reculés et distinctifs de l’hémisphère, les peintres sont allés sur les voyages difficiles pour atteindre ces lieux éloignés. Ils ont souvent pris des notes détaillées et des dessins en cours de route, le remplissage des carnets avec leurs observations de plantes, d’animaux et de la topographie.

Plus tard, dans leurs ateliers, les artistes transformaient leurs esquisses en d’ambitieuses peintures composites. Art et science s’unissaient, pendant que l’histoire naturelle était réimaginée dans des œuvres riches de détails, qui étaient des interprétations de lieux plutôt que des représentations exactes.

« Ces images proviennent d’une période d’effacement et de colonisation, et de foi dans le mythe du progrès humain aux dépens des peuples autochtones. »

– Hayden King, écrivain et éducateur anishinaabe, 2015

Les œuvres dans cette exposition datent des années 1800 au début des années 1900, une période durant laquelle les peuples autochtones étaient soumis à une violence intense et contraints de s’assimiler. Plusieurs de ces peintures de paysage sont dépourvues d’êtres humains, illustrant la notion « terra nullius », l’idée voulant qu’une terre non colonisée soit une nature sauvage et vide. Or, en réalité, des cultures et des civilisations sophistiquées de peuples autochtones avaient prospéré dans les Amériques pendant des milliers d’années.

Les peintures où figuraient des Autochtones proposaient le plus souvent des représentations romantiques et exotiques de ces individus, devenus les protagonistes d’un récit imaginaire qui promouvait l’activité d’expansion des colons. Ce moment historique a résulté en l’appropriation à grande échelle de territoires autochtones, en la suppression de langues et de cultures autochtones, et en la mort de quantité d’individus autochtones, causée par la violence ou la maladie.

Durant la même période plusieurs nations colonisatrices se sont engagées dans de longues guerres et batailles à travers les Amériques, afin d’établir des frontières politiques, plusieurs desquelles sont toujours contestées. Les peintures présentées ici célèbrent la nature comme une partie intégrante et active du butin du vainqueur.

Les grandes vues de chutes d’eau, de montagnes et de plaines révèlent également les plaisirs psychologique et spirituel offerts par la beauté naturelle de l’hémisphère. Ces peintures ont été sciemment réalisées pour promouvoir les Amériques comme lieu sécuritaire et fertile pour l’investissement et l’exploitation – une terre de plénitude. Véhiculant des idées européennes concernant l’occupation et la propriété des terres, ces œuvres plaisaient aux propriétaires terriens et contribuaient à encourager l’extraction de produits comme la fourrure, le bois et les métaux précieux et les minéraux, et l’établissement de cultures agricoles comme le sucre, le tabac, le café et le coton. L’effort colossal de travailler la terre est représenté comme étant indolore et romantique; il y a peu d’allusions au travail éreintant des esclaves dans ces scènes bucoliques.

Au début des années 1900, la peinture de paysage s’est transformée pour refléter l’approche d’artistes qui cherchaient un nouveau langage visuel pouvant représenter des temps de grands changements rapides. Devant la croissance des villes et l’émergence de paysages industriels, les artistes ont adopté des formes géométriques pour représenter les forces de la modernisation, tels les ports, les usines, les fermes industrielles et les centrales électriques.

Malgré ce changement de style, plusieurs peintures de paysage mettaient toujours l’emphase sur la beauté et l’expérience directe de la nature. Les idées de progrès étaient contrebalancées par des œuvres dans lesquelles les artistes réaffirmaient les réalités rurales et naturelles de leurs régions spécifiques. D’autres peintres recherchaient des expériences solitaires et reculées, afin de se sentir authentiquement ou spirituellement en lien avec la nature.

Au début des années 1900, les peintres ont commencé à représenter leurs propres réponses à leurs environnements. Ces artistes peignaient des lieux qu’ils connaissaient bien, exprimant un profond sentiment d’appartenance à travers leur art. En cherchant l’essence de la vérité d’être dans la peinture, plusieurs artistes ont donné la priorité à leurs propres souvenirs et expériences vécues plutôt qu’aux détails observables. Leurs visions uniques, exprimées dans le langage audacieux et simplifiée de l’art moderne, ont fini par représenter l’esprit des nations qu’ils ont peintes.